The Kinematograph (2010)

«The Kinematograph» (2010)

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Azúcar con cobertura de caramelo

Es suficiente ser muy bueno técnicamente? Es suficiente que te sientes para ver un filme y comprendas que la gente que lo hizo es increíblemente competente en todos los aspectos de hacer un filme, desde la técnica de animación, pasando por la cinematografía virtual, dirección, edición, movimiento de cámara? Si eso es suficiente para ti, te va a gustar este filme. El pueblo en este corto está concebido de una forma linda en sus intenciones de crear un ambiente melancólico. Los dos espacios interiores están contrastados de forma eficiente: el laboratorio del cientista semi-oscuro y lleno vs la pureza limpia de la cocina. Cada espacio está asociado a uno de los dos personajes. Esto es un mundo competente creado.

Pero no me gusta lo que está dentro. Es dulce hasta el punto de diabetes. Hace un homenaje al cine como mundo exactamente de la misma forma que Cinema Paradiso, que sufre de los mismos problemas. Estos personajes, estas historias Son agradables. Pero esto es un guión escrito con mano pesada, se supone que deberíamos reaccionar de determinada forma, en determinado momento. Es como un estudiante iniciado de arquitectura que, cuando describe el edificio que esta dibujando en ese momento define cada sensación específica que cada utilizador debería sentir cuando pasando en cada punto. A mi me gusta mi libertad para sentir de acuerdo con mi propia vida, ambiente, experiencia.

Mi opinión: 2/5

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Exodus (2007)

«Exodus» (2007)

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hijos de orwell

Otro mundo inspirado por Orwell. Este tipo de filme me deja un poco cabreado. Siempre me fascinan las posibilidades visuales puras de la invención de un mundo, donde podemos hacer casi todo. Podemos recrear la tecnología, podemos inventar la ropa de la gente, sus movimientos, su forma de pensar. Podemos estructurar un todo un contexto social. Hay algo mejor que eso? Orwell recreó esta noción para audiencias modernas, pero esto es una grande tradición desde hace mucho enraizada en el mundo anglo-sajonico. Thomas Moore habrá, eventualmente, empezado esto. El problema es que para que estos mundos funcionen, y para hacer una audiencia, o un lector, entrar en ellos, ellos tienen que representar un espejo clarísimo de nuestro propio mundo, y para esto es necesaria una simplificación grande de sus temáticas morales. Por otras palabras, hay que exagerar las ideas de bueno y malo, dibujar una línea muy clara, y poner las personas del mundo de un lado o otro de la línea. Este filme tiene incluso un personaje que literalmente cruza de un lado al otro.

Aquí, los escritores, intentando llegar a una audiencia televisiva, pescaron la historia de la Bíblica. Pero el Exodus es un libro muy rico, lleno de significaciones, pero ellos se quedaron con los huesos del libro, y tiraron a la carne. Es una simples actualización de los eventos en el libro. Supongo que eso es bueno para el tipo de marketing que este filme tuvo. Pero no es suficientemente bueno para ser interesante. Y asume como trivial un texto que es rico, y siempre perdemos todos cuando alguien simplifica un elemento de cualidades transcendentes.

El problema es la cantidad imensa de moralidad que se hace aquí. O sea, tenemos los «nativos» malos, que oprimen a los pobres «imigrantes». Ah, pero los imigrantes también no son inocentes, y incluso el profeta de la paz al final sucumbe a la violencia contra la cual sempre se levantó. Esto es demasiado para mi, supongo que hay una audiencia que lo va a tolerar, y incluso aplaudirlo, pero yo no. El último (muy) bueno filme que intenta la creación de un mundo negro, basado en orwell, fue Children of Men. Ese funciona para mi porque, entre muchas otras calidades, tiene un tema existencial mucho más interesante en el centro de la narrativa, uno que excede el tema «bueno-malo». Este llega a tentar una de las actrices protagonistas de Children, la que allí hacía de la embarazada, imigrante que de repente era la luz que todos deberían seguir, un papel metafórico muy bien creado. Aquí, ella representa un papel parecido, lo de la mujer que hace el puente entre 2 mundos que se oponen, pero sin ninguno del interés de Children of Men.

Reconozco que el mundo Es creíble, los barrios de tugurios están bien hechos sin (creo) grandes recursos. Hay una utilización inteligente de los escenarios y una ilusión de espacio. Esto no es Ciudad de Dios ni Slumdog, pero funciona. La escultura humanóide también es una buena pieza.

Mi opinión: 2/5

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Carancho (2010)

«Carancho» (2010)

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dentro, fuera, bizarro, movimiento continuo

En los años 60, hubo un fenómeno en la literatura latino-americana que hoy está reducido a la palabra «boom». Un muy buen número de escritores por todo el continente empezaron a producir trabajo innovador, rompieron todas las formulas y presentaron nuevas posibilidades en literatura, desconocidas hasta entonces. Márquez, Rulfo, Llosa y, notablemente en Argentina, Córtazar y Borges, entre otros. Hoy esa tendencia aún produce sus consecuencias (Chico Buarque ha sido una revelación como escritor, aunque Brasil sea todo un mundo a parte). Pero creo que últimamente, los que quieren explorar nuevos territorios en la narrativa y historias están trabajando más en cine. Márquez y Borges son 2 bien conocidos (y muy buenos!) críticos de cine. En todo caso, el cine latinoamericano de hoy es un heredero de lo que la literatura latinoamericana produjo en los últimos 50 años. En el caso argentino, hubo un enorme retroceso al inicio de este siglo, la corrupción y incompetencia llevaron el país a la bancarrota, y la clase intelectual se rebeló contra eso, por es (como en Brasil!), el cine argentino surge normalmente densificado por las preocupaciones sociales de los argentinos.

Literatura y contexto social son, en resumen, las dos grandes molduras que encuadran a un filme como este.

Y que buen film. Lo primero que se hace aquí es el establecimiento de un mundo extraño, de gente que vive bajo diferentes rutinas, ejecutando diferentes trabajos, conquistando en mundo de una forma diferente, aunque en los mismos escenarios de la vida «real», con la cual por veces se cruzan. El hombre, alguien que persigue a la gente que fue atropellada por los coches para recibir el dinero del seguro, y muchas veces simulan el atropello. La mujer, que vive de noche, como médica de emergencias. Y la visión hacía el sub mundo corrupto, donde solo sospechamos que podrán estar personas honestas cerca. Por si mismo esto es bizarro, tenso y cinematográfico, y vale la pena visitar este mundo. Sobre eso hay una camada de sensibilidad poética que sale eventualmente del personaje masculino, por vía de la pasión por la mujer. En el centro tenemos una historia común sobre un hombre débil que encuentra la redención por el amor, pero situada en un mundo extraño, repulsivo, pero aún así fascinante. Esto podría ser un relato de Cortázar.

Y sobre todo esto, la rueda que hace este mundo girar, es la audacia y fuerza visual con que esto está hecho. Prácticamente todos los planos significativos son enormes y sin cortes. Por la forma como la cámara es manejada, entramos en la tradición grande y linda de Orson Welles (el de Touch of Evil) tal como interpretado por el increíble Alfonso Cuarón, especialmente su inolvidable Children of Men. Esta cámara es discreta pero consigue estar donde tiene que estar. Sabe todo lo que pasa, y juega con nosotros para enseñarnos el fuera de campo muchas veces, y con eso ponernos fuera de la acción, sin consciencia de lo que está pasando, tan inconscientes como cualquier otro personaje en el filme. Esto es realmente trabajo de topo, no me acuerdo de ver este tipo de gramática visual tan bien utilizada en filmes recientes. Bastante a parte de los obstáculos en la producción y concepción de estos planos continuos, y para allá de las muy buenas actuaciones, me maravilló el nivel de manipulación empleado, la forma como este director y cinematógrafo comprenden las sutilezas de los trucos que utilizan. Voy a querer ver más de ellos. Sea lo que sea.

De todas las secuencias, los últimos 8 o 9 minutos son los mejores. Mira el ultimo plano varias veces si puedes. ***spoiler*** la cámara empieza en un garaje, entra en un coche, asiste a un accidente con ese coche, asiste a un tiroteo de calle, entra en un nuevo coche, y termina con un nuevo accidente en ese coche. Todo sin cortes, vivo y salvaje como he visto pocas veces. Que viaje!

Mi opinión: 4/5

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Hahaha (2010)

«Hahaha» (2010)

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el alma de la tapa naranja que contaba historias sobre comida y mujeres

Rashômon tenia que ver con los múltiplos encuadres de una historia.

Chungking Express tenia que ver con la forma como dos historias diferentes, o vislumbres de historias, pueden compartir el mismo espacio físico y emocional.

Ambos son filmes importantes que han cambiado el cine y, necesariamente, la forma como soñamos y seguimos una historia.

En este filme tenemos algo a medio camino entre los otros dos, y que extende su condición híbrida como moldura de una historia hacía el territorio de los diálogos de Woody Allen, él mismo un maestro de encuadres narrativos, y que tiene su propio conjunto privado de cosas extrañas y obsesiones, superficialmente presentes en sus diálogos increíbles. Todo eso es traído hasta aquí por este escritor, que también es director.

El encuadre exterior pone a nosotros mirando un número de fotografias que documentan 2 amigos que se encuentran en una montaña, algo que nunca vemos realmente, y así enfatiza la naturaleza artificial del truco: estamos viendo a alguien contando la historia de 2 personas que se encuentran. En ese encuentro, cada uno por su vez cuenta trozos de historias que les han pasado en los meses anteriores. Uno de los personajes es un director de cine. En uno de los episodios, tenemos una performance encuadrada, y por algunos momentos no tenemos como saber que es una performance. Esto es una estructura muy compacta, escrita muy competente. Pero lo bueno es el interior de este mundo que encuadramos.

Todos los episodios tienen lugar en el mismo pueblo. Los lugares son muy importantes. Así, tenemos sitios que vemos repetidos varias veces, con diferentes trozos de la historia pasando allí: el restaurante frecuentado por los 3 hombres y 2 de las mujeres. El hotel, donde todo el sexo asumido o presumido acontece. El nuevo apartamento, sin muebles. El café con una vista sobre el puerto, y el propio puerto. Cada uno de esos espacios recibe una parte de la historia, diferentes momentos, diferentes personajes, diferentes trozos del puzzle. Hay un sentido de vidas entrelazadas, que apenas vemos, por pequeños trozos, contados desde 2 puntos de vista, de 2 personas que son protagonistas de sus propias historias. Comprendemos que ellos pasan cerca uno del otro, que sus historias son una sola pero que no llegan a tocarse.

La comida es un elemento importante. La comida es central en todas las idiosincracias culturales del mundo, y la Corea no es excepción, y la forma como las especificidades coreanas en la relación con la comida entran en el centro de este mosaico se hace de forma muy sensible. Cuenta las escenas que se desarrollan al redor de comida, literalmente.

El último elemento importante es la tapa naranja, que el director da a su madre, que luego la da al otro personaje masculino que le gusta, y que tiene una relación con una de las mujeres, que más tarde termina enrollada con el director. Esa mujer acaba por comprender la relación indirecta entre los 2 hombres cuando el director intenta llevarla al restaurante de su madre, donde ella había ya estado con el otro hombre. Es este tipo de relaciones circulares, vidas que se cruzan, que encontramos en este filme. La tapa tiene aquí la misma importancia que el peluche en Chungking Express.

Lo que me desconectó de este filme fue, extrañamente, lo que normalmente no falla en filmes coreanos: las cualidades más puras de los imágenes y de los varios aspectos de la mise-en-scène. Esto tiene el aspecto barato de una producción vídeo de bajo coste, hay varios aspectos de luz y forma que habrían ganado con la relación sensible que el escritor establece con los espacios. Chris Doyle comprende eso, pero no lo tenemos aquí. Y el encuadre de cada escena no tiene equivalencia remota con los múltiplos encuadres en la historia. Eso es realmente malo, este filme podría haber tenido un poder de que así solo sospechamos.

Mi opinión: 4/5

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The King’s Speech (2010)

«The King’s Speech» (2010)

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la voz contra la pared

Esto es más o menos lo que yo esperaba, para bueno y para malo, y eso no es exactamente un elogio muy bueno. Cuando voy a ver un filme, siempre llevo la miente abierta, esperando ser sorprendido.

Esto es un filme sobre y para actores, desde la raíz hasta las hojas. El enredo principal es sobre un hombre poco importante que tiene que aprender a actuar, para conseguir ser convincente delante de una audiencia, y para disfrazar su condición de tartamudo. El truco que utilizan es vulgar en drama: la búsqueda personal de un hombre para superar su debilidad es sobrepuesta a las aspiraciones colectivas de un grupo, en este caso una nación al borde de una guerra. Así, cuando nos enfocamos en el drama personal de un conjunto de personas: el futuro rey, su hermano tartamudo, su mujer, el terapeuta de voz; mientras tenemos pequeñas visiones de lo que iba pasando en el mundo, el conflicto eminente entre Inglaterra y Alemania; tenemos la sensación de que lo que pasará con el mundo depende de si el rey es capaz o no de hablar con claridad a su pueblo. Es un truco normalmente usado en filmes épicos o de guerra. Aquí simplemente no me parece que el «discurso» sea suficientemente fuerte como para credibilizar toda la historia, pero supongo que funciona como truco dramático.

Dentro de ese drama, el enredo principal es la relación entre el terapeuta y el rey. Aquí tenemos un filme sobre la amistad, en si mismo todo un género diferente que ya hemos visto varias veces. Esto es interesante porque los actores son competentes y el guión ayuda. Colin Firth hace las cosas bien, él es un buen actor y sabe mezclarse con la textura del filme y ser una parte de ella. Pero Geoffrey Rush vale la pena ver, independientemente de lo que haga. Él es un actor muy bueno, y es muy interesante ver los múltiplos niveles de actuación que él aplica aquí: él representa un terapeuta vocal muy bueno, que oculta su lado de actor frustrado, permanentemente rechazado en castings de teatro. Él es capaz de corregir los discursos de los otros, pero no de hacer su propio discurso de forma convincente. Él transporta su performance no conseguida para el rey, y proyecta su frustración como actor incapaz de convencer una audiencia para el éxito del rey cuando este incita con seguridad su nación a la resistencia. La radio es el medio elegido, y es perfecto para este enredo porque su magia reside solo en las palabras, y como son pronunciadas.

Hay un escenario que vale la pena mencionar: el despacho de Rush. El ambiente es bueno, la vieja mobília, tecnologia de esos días, el toca discos, el microfone, etc. Pero lo que realmente está bien elegido es la textura de la pared detrás del sofá del paciente. Todos esos puntos multi coloridos, colocados en el ultimo plano de una cara que pelea para superar su debilidad. La pared tiene una grande fuerza visual, y soporta bien el drama. Me gustó.

Mi opinión: 3/5

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The Pink Panther (1963)

«The Pink Panther» (1963)

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fuera del centro

Hay tantas personalidades del mundo de los filmes envolvidas en este filme y que hoy tienen una grande dosis de nostalgia que vale la pena ver el filme solo por eso. Eso si puedes soportar la fuerza de esos días pasados que estas personas pasan. Capucine, Claudia Cardinale, incluso la especie ahora extinta a que pertenecía Niven. Blake Edwards, que murió recientemente y, claro, Peter Sellers, una de las personas genuinamente más graciosas en una pantalla de siempre. Soma a eso los años 60, ya por si mismos un canal de la nostalgia contemporánea occidental, y la pantera, acabada de nacer. Es pesado, probablemente tanto como mirar a Audrey Hepburn y Cary Grant en el Charade de este mismo año. Si inspiras el odor de estos días, y te dejas llevar por como imaginas que esos días habrán sido, esto va a brillar.

El filme, en verdad, es muy fresco como comedia. No porque algo de lo que ves sea remotamente la moda en actuaciones cómicas hoy en día. No lo es. El ritmo es lento, esto se arrastra comparado con lo que hace las audiencias reír hoy en día; sabemos que la comedia es, entre todos los géneros, el que se desactualiza más rapidamente. Esto está desactualizado, pero funciona en su rincón.

Pero hay algo raro y bizarro que mata una parte de esta experiencia. El filme está fuera de su centro hoy, y supongo que salió de ese centro luego que salió. Eso es porque esto fue concebido para tener Niven como la estrella, y Cardinale como el sex symbol exótico. Ella incluso representa una reina de un país exótico lejano. Capucine y Sellers deberían ser los asteroides rodeando las estrellas principales. Pero Sellers confunde las cosas, y desequilibra este universo aparentemente bien construido. Eso pasa porque él es la estrella más brillante de este firmamento. Aparentemente su papel debería haber sido representado por Ustinov, pero Sellers se quedó con él, y el resto lo sabemos todos, y lo mucho que todos ganamos con ello. Él es un muy bueno performer, porque de algún modo hace todas sus habilidades sin actuar abiertamente para ser gracioso. Y su timing es, en general, perfecto.

Así, lo raro aquí es que tenemos un actor brillante robando el filme de los verdaderos ladrones (él incluso va parar a la cárcel en vez de ellos al final). Lo fantástico es que teníamos a Peter Sellers.

Mi opinión: 3/5

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The Hangover (2009)

«The Hangover» (2009)

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puzzle

La comedia es un género difícil. Es raro encontrar actores cómicos con talento que te hagan reír sin que te sientas vacío cuando lo haces. Estoy hablando de esas risas que vienen de una situación falsa arreglada donde solo te ríes de lo raro que la escena es. La comedia verdadera está más cerca del drama verdadero que de cualquier otra cosa. Eso es lo que yo creo. Pero de vez en cuando, uno encuentra una comedia decente, con buenas actuaciones. Más raro es ver algo que haga algo interesante en un nivel narrativo. Este es el caso.

Las actuaciones son la rutina en lo que toca a la actuación física y fraseado hoy en día. Esto es parte de lo que queda fuera de moda en poco tiempo, así que supongo que en 15 años ya no nos vamos a reír con el fraseado, el timing, o incluso los chistes en si. Zach Galifianakis es la excepción. Él actúa de forma realmente graciosa porque es el único personaje que no intenta ser gracioso. Él no impone su actuación cómica a las audiencias. Al contrario, él queda fuera del humor del filme, literalmente, ya que su personaje es un alien que imponen a un grupo ya bien formado. Así, él simplemente está allí, y allí está la graciosidad de la actuación.

Lo bueno aquí está en la estructura narrativa del filme. La historia tiene que ver con un grupo de tipos que no se acuerdan de lo que pasó en la última noche (drogas, bebida, etc.). Tienen sin embargo pistas (el bebé, el tigre, el coche de policía) que son las conexiones con esos eventos de que no se acuerdan ya. Siguiendo esas pistas, en una especie de mecánica de historia de detective retorcida, ellos podrán contar esos eventos de que no se acuerdan. Así, la estructura narrativa pone estos personajes contando una historia que ya pasó, con Ellos! Esto es un concepto gracioso, y un truco narrativo inteligente. Y es realmente raro encontrar estructuras inteligentes aplicadas a la comedia.

Bueno, la revelación de las piezas del puzzle que faltan no es tan buena como podría ser. El episodio Mike Tyson es forzado en la narrativa, probablemente para incluir a Tyson y así vender algunas entradas más, pero suena fuera de lugar, una escena de otro filme.

Mi opinión: 3/5

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Biutiful (2010)

«Biutiful» (2010)

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Caras

*** este comentario puede contener spoilers ***

Es siempre una noche especial cuando uno se mueve para ver el nuevo filme de uno de los mejores directores trabajando en el momento. No solo veremos algo que nunca hemos visto, hecho por alguién cuyo trabajo afecta nuestra alma, pero también vamos a ver algo que puede ser la mas reciente inovación en la tradición aún joven del cine, como la arte de la narrativa visual. Iñarritu produz ese efecto en mi. Algún de su trabajo anterior me ha cambiado de formas que no puedo comprender. Siempre querré ver lo que él tiene para mi.

Aqui teníamos algo importante que considerar. Él se separó de su colaborador de mucho tiempo, Arriaga. Aparentemente, su colaboración anterior destruyó su relación personal. Imagino que la dureza y el dolor de sacar esas narrativas ricas y densas como las de la triologia que vino antes de este filme fue agotador y vació su relación. La ausencia de Arriaga se hace notar aqui. Somos menos conscientes de la estructura, menos entusiasmados por la forma como el filme se desarrolla. No hay, aparentemente, una estructura más ancha que encuadre las vidas que seguimos. Arriaga daba a los filmes un sentido noir de destino, donde todos los personajes se sentaban. Bueno, supongo que lo encontramos aquí también, pero de una forma más bruta, menos asumida. Nadie duda que cada personaje en este filme (incluso los patrones chinos) viven en un mundo cuyas reglas ellos no comprenden y aún menos controlan. Eso es la primera cosa interesante aquí. Tenemos la ciudad como el tablero definido donde el juego se juega. El sentido de colocación (urbana) dinos  que el juego se está jugando, pero nunca vemos nadie más alto que un simples peón. Me parece que cuando consideras la historia como la vemos, podemos comparar este filme con Blindness, por el pesimismo, por la visión sin esperanza del mundo. La ciudad, Barcelona, surge con una suciedad y oscuridad que en verdad no existe en su face aparente, aunque algunas escenas (como los negros huyendo de la policía con bolsos falsificados) sean realmente una parte de su rutina. Pero nada de lo que vemos está contado en un nivel superficial de observación, por eso no tenemos la ciudad de Gaudí aquí, tenemos la ciudad de los oprimidos, manipulados por un opresor desconocido.

(**spoilers aquí**) Este mundo es complejo y engañador. Uxbal parece controlar los jefes chinos, pero sabemos que él es manipulado por su amante, que por su vez no es aceptado por la família del primero por su homosexualidad. La Marambra ahoga las rechazas de Uxbal en la cama de su hermano, mientras su locura progresiva la afasta cada vez más de sus hijos. Pero Uxbal va a morir y lo sabe, además sabe lo que está «en el otro lado». Él está tan ahogado en su destino inevitable como los trabajadores chinos que él piensa que ayuda (hasta que los mata!). También lo está Ige, que sabe de algún modo que no podrá salir de Barcelona y tener un futuro; está ahogada en su destino, y el dinero no lo puede cambiar. Y también los hijos de Uxbal, cuyo destino depende de la suerte y de la voluntad de los que, en cada momento, son responsables por su educación: su padre morirá, su madre no es confiable, y apenas tenemos la sugestión que Ige será su figura materna.

Pero todo es es solo secundário, comparado con el motivo real por lo cual creo que deberías mirar este filme: las caras. Toda la oscuridad, todo el pus que sale con angustia de las heridas de esta gente solo importa porque está espejada en las caras «biutiful» de absolutamente todos los personajes. Eso es lo que la increíble primera escena: el encuentro entre dos caras, la de Bardem (en que actor se convirtió él!) y él que al final descubriremos que su fallecido padre. Mira como los primeros planos de las caras son la llave para cada respuesta emocional que das a este filme. Mira como son la sonrisa rompida de Mateo, o las miradas impotentes de Marambra que te rompen el corazón. Mira como esas caras son encuadradas por Iñarritu (y su director de fotografia increíble!), siempre de forma diferente, de acuerdo con la cara de cada actor. Bardem normalmente a tres cuartos. Pero la cara que siempre voy a recordar es la de Ana. Según el IMDb esta fue su primera película, y si es su último, aún tendré motivo para acordarme de ella. Apuesto que ella fue elegida por su sonrisa, esa de inocencia desilusionada, de infancia rota. Tan bonito, tan triste. Tanto dolor, en un mundo tan caótico y noir. Esto es escrita increíble, cine increíble. Me pregunto como esto va a encajar en mis sueños.

Mi opinión: 4/5

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The Tourist (2010)

«The Tourist» (2010)

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estrellas

*** este comentario puede contener spoilers ***

Esto es una buena experiencia, un tipo de filme muy raro hoy en día, y que aparentemente fue apenas permitido por las incidencias de la pre-producción.

La Angelina estuvo en el barco todo el tiempo, de acuerdo con el IMDb. Pero el protagonista principal pasó por varias posibilidades, incluyendo Sam Worthington. El hecho de que ellos hayan podido garantizar a Johnny fue una suerte de casting, que permitió que el filme funcione de la forma como ahora mismo funciona. Superficialmente, esta es una historia sobre twists, personajes dobles, gente que finge ser alguien, solo para que uno comprenda que al final, es otra persona. Mientras tanto, quedamos ofuscados con el estatuto de estrellas que ambos los personajes demuestran todo el tiempo. El mundo gira en torno de ellos, para bien y para malo. Aquí, incluso la historia ayuda: la Angelina empieza el filme siendo literalmente observada desde cada ángulo, con todos interesados en saber lo que ella está haciendo. La escena en que ella entra en el tren y liga con el tipo está hecha con ella como centro luminoso del sistema. Sus movimientos agitan su contexto, es así que la ponen, como estrella, en la historia. Procurada y deseada. Depp completa y contribuye para la forma como ella surge, y al hacerlo, él construye su propio rincón como la personalidad pública que le conocemos: el tipo casual, involuntario, y aún así atractivo.  La estrella renuente, permanentemente destruyendo su propia imagen como sex symbol, y permanentemente arrastrado para el centro de las atenciones; (spoiler) el tipo que aparentemente no sabe, o no comprende nada de lo que le pasa, chapucero intentando evitar el foco de atenciones, solo para que uno descubra que él es el más grande manipulador de todos, que manipula incluso la estrella más brillante de la constelación, la que se supone estar sobre el juego.

Este juego actor/personaje requiere inevitablemente que los actores que lo interpretan poseen un estatuto de estrella fuera del filme. Depp y Jolie obviamente lo tienen, de hecho serán las 2 estrellas más grandes que tenemos hoy, en ese sentido clásico de estrella, en la tradición Grant, Peck, Hepburn, Dietrich o Garbo. Solo con eso me bastaría. Pero para allá de eso, Johnny Depp es un actor real, que sabe interpretar bien el juego de la actuación en varios niveles: él representa su propia persona pública, sobre eso representa el chapucero inconsciente, y sobre todo eso representa el más grande manipulador del juego. Esperaba que solo su actuación haría el filme valer la pena, y lo hizo. Pero Jolie fue una sorpresa, en la forma como se presentó aquí. Ahora tenemos más que su personalidad, tenemos una actriz.

Este director cambió mi vida con su primero filme. Aquí él entra en un mundo diferente. El tema no importa tanto como «las vidas de los otros» importaba, pero él hace bien las cosas, espero que siga trabajando así.

Este es un filme enraizado en un mundo de los filmes. Por eso somos literalmente llevados para Venecia, después de empezar en Paris, 2 de los escenarios urbanos más bien establecidos del mundo de los filmes, de lo tiempo en que el cine americano confiaba totalmente en sus estrellas.

Mi opinión: 4/5

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Shrek Forever After (2010)

«Shrek Forever After» (2010)

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reciclar

Han tenido que recuar unos pasos para poder hacer una 4ª versión de esto. La primera sonaba nueva en la forma como reutilizaba cosmologias populares sacadas del rincón seductor de las historias para niños. El segundo flotaba sobre eso y hacía un juego interesante de auto-referencias retorcidas. Fue el mejor. La comedia estaba en las referencias exteriores y la forma como los directores se dirigían a ellas. La forma en si era graciosa, más que los personajes o chistes.
Ahora esta 4ª versión necesita de crear una historia sobre como el romance entre el ogro y la princesa tiene que pasar otra vez. Así, la historia vuelve literalmente al inicio, antes que el Shrek conociera a la Fiona, o el burro, o antes que el gato existiera como personaje.

Admito que el truco funciona como para revivir la frescura del primero filme, después del desastre del tercero. Si entras en el juego y quieres sentirte nostalgico con ese filme, hecho hace 10 años, supongo que podrás reírte un poco. El truco es listo y te permite hacerlo. Pero no hay mucho más que ver aqui.

Los personajes están tan desgastados ahora como el pobre Shrek cuando se pega un puñetazo en la mesa, al inicio
The characters are as tired by now as poor Shrek at the beginning of the film when he punches the table.

Mi opinión: 2/5

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